Un crítico dijo que Turner era el único capaz de medir “el estado de ánimo de la naturaleza”, y lo logró gracias a una técnica insuperable de representación de los cielos. ¿Cómo pintaba algo tan efímero e inasible? Aquí, algunas claves para entender y apreciar mejor su estilo.
JOSEPH Mallord William Turner, también conocido como William Turner o J. M. W. Turner fue un artista importante de los siglos XVIII y XIX en el Reino Unido. Influyó enormemente tanto en el movimiento clasicista como en el romántico, mientras contribuía con sus propios elementos de firma. Uno de ellos fue sus cielos; su técnica y el uso de métodos de pintura así como el significado que le dio a los cielos en sus obras de arte marcaron el mundo del arte y todavía son relevantes hoy en día. ¿Cómo influyó en sus contemporáneos y en su tiempo? La respuesta se encuentra en sus pinturas.
Nacido en 1775 en Londres, murió el 19 de diciembre de 1851. Su situación familiar estaba lejos de ser ideal. En efecto, su padre, fabricante de pelucas y barbero, y su madre, mentalmente inestable, no conservan a su hijo por mucho tiempo y a la edad de diez años es enviado a vivir con su tío.
Con todo, sus inclinaciones artísticas se vieron incrementadas por este cambio de vida, ya que expresó su primer interés por las artes: dibujos creados uno tras otro. Vivir a orillas del río Támesis le inspiró a recrear su entorno natural, tratando de representarlo a través de sus dibujos. Más tarde siguió su interés por las artes cuando entró en la Real Academia de la Escuela de Ar en 1789, donde sus pinturas ya se consideraban de interés. De hecho, una de sus pinturas fue elegida para la exposición de 1790 en la Academia. Luego se convirtió en uno de los pintores más conocidos de su tiempo. Viajó por Europa durante años, tomando inspiración y técnicas de muchos países y artistas y las aplicó a su país natal, Inglaterra.
Si hubiera que clasificar su trabajo, se podrían distinguir tres temas principales: gente, barcos y paisajes. El elemento de unión de estos temas está siempre presente, en cualquier lugar del mundo, de día o de noche: el cielo. De hecho, la mayoría de sus pinturas presentaban, en el fondo o en primer plano, como tema o como elemento secundario, los cielos. El crítico de arte John Ruskin lo describió como «el artista que más podía «medir de forma conmovedora y veraz el estado de ánimo de la naturaleza». Y nada mejor que el cielo para representarlo. Desde cielos sin nubes hasta noches tormentosas y oscuras, representa la naturaleza en su característica más salvaje y reveladora. En la antigüedad el cielo era incluso un indicador del estado de ánimo de los dioses, sus sentimientos expresados a través de la lluvia y el sol. Desde la distancia que los humanos pueden mirar hacia atrás, el cielo ha sido la fuente de muchas preguntas, de muchas creencias. El interés original de Turner por los paisajes se convirtió en un interés general por la naturaleza en su conjunto, sus cambios y sus significados, por lo que a menudo incorporó elementos naturales en la mayoría de sus piezas. El mismo Turner dijo: «No pinté para ser entendido. Sólo deseaba mostrar cómo era una escena así».
Como ya se ha dicho, los cielos en la pintura de William Turner podían tener dos papeles distintos, el del sujeto mismo o el del «papel secundario», por decir que complementan el tema real de la pintura. Una de sus pinturas más famosas puede ser asociada con esta última afirmación, el cielo como complemento del tema.
Esta pintura representa una época crucial, la de la revolución industrial de Gran Bretaña. Habiendo jugado un papel importante en la Batalla de Trafalgar de 1805, este barco representa la antigua nación, la antigua cultura. Ver ese viejo barco siendo arrastrado por un remolcador revolucionario, el viejo mundo llevado a su fin por el presente contemporáneo es una metáfora explícita. El juego de luces también es importante, el nuevo barco ennegrecido, casi ensombrecido por el inmenso Téméraire, este último puro y precioso en blanco y oro. Sin embargo, como a menudo, Turner hace del cielo una característica importante en esta pintura histórica. En efecto, las dos barcas, protagonistas de la escena, no están exactamente en el centro, no están resaltadas por el punto de fuga. De hecho, ni las barcas ni el cielo lo están, como para dar igual importancia a los dos actores.
El cielo es la fuente de luz dentro de la pintura, con el sol reflejándose en el agua. Centrándonos en la gigante roja, está representada a la derecha del cuadro, en el Este, lo que significa que el sol está saliendo.
En otras palabras, el amanecer casi siempre representa un nuevo comienzo, un cambio, lo que obviamente hace en la pintura de Turner. Es el comienzo de una nueva era, una nueva Inglaterra. Más que su significado simbólico, a este cielo se le da más importancia que a los dos barcos en primer plano. El razonamiento detrás de esta afirmación proviene de los pigmentos de pintura utilizados por el pintor: todos los colores son apagados, marrones y blanquecinos, en su mayoría colores apagados, excepto los amarillos y azules brillantes utilizados para el sol y el cielo. Turner, de hecho, hizo del cielo la principal fuente de luz en su pintura. Aunque es muy probable que sea un esfuerzo de realismo, también resalta la importancia general de los cielos en su arte.
Aunque Turner fue reconocido en sus días, no estuvo exento de críticas. Su contemporáneo Sir George Beaumont describió sus pinturas como «manchas». Esto puede aplicarse de alguna manera a esta pintura, ya que las nubes que oscurecen el sol despierto parecen más densas, casi en capas sobre el lienzo. Este «empaste» sin embargo resulta más una ventaja que una falla, ya que da más textura, más enfoque en esta área. Este interés por los eventos históricos fue representado en algunas de sus pinturas a lo largo de su vida, especialmente en la transición del mundo antiguo al nuevo mundo industrial. De hecho, en “Lluvia, vapor y velocidad. El Gran Ferrocarril del Oeste”, representa una de las primeras locomotoras de dicho ferrocarril que cruza el río Támesis por el puente ferroviario de Maidenhead. Una vez más, el punto de fuga no ocurre en el tren mismo, sino en el sol. En este cuadro en particular, el papel del cielo es el de sombrear el del sujeto original del cuadro. El ferrocarril parece estar emergiendo de la niebla del cielo en el fondo. Esto puede ser analizado como el cielo que da nacimiento al tren, o más bien a la propia carretera. Sin profundizar en el simbolismo, no es descabellado explicar esa elección como la representación de la Naturaleza como madre de todo, incluyendo las creaciones «hechas por el hombre». No es necesario estar de acuerdo con esta explicación, pero muestra la importancia que le daba el artista al cielo en sus pinturas.
Más tarde en su vida, Turner se volvió voluntariamente menos preciso, en el sentido de que favorecía los contornos más vagos para enfocar la mirada en los colores en lugar de las formas. Esto está particularmente presente y relevante en su forma de representar el cielo. La siguiente cita explica su técnica y cómo afectó a su arte: «Su estilo distintivo de pintura, en el que utilizaba la técnica de la acuarela con pinturas al óleo, creaba ligereza, fluidez y efectos atmosféricos efímeros. En sus últimos años utilizó óleos cada vez más transparentes, y se convirtió en una evocación de la luz casi pura mediante el uso de colores brillantes». Como se explica aquí, sus dos medios favoritos eran la acuarela y el óleo, y el genio de su arte radica en la mezcla de ambos: el uso de técnicas de acuarela con óleo. Esto creaba resaltes luminiscentes y paisajes coloridos así como efectos fantasmagóricos. En cuanto a este último, los cielos eran una parte importante del efecto, ya que a menudo dominaban la pintura, expresando emociones como la ira, la tristeza o la alegría y la paz, a la vez que aportaban luz a la imagen global. Da la impresión de una pintura sin fin, como si más allá de los límites del lienzo los cielos continuaran.
“Stangate Creek en el río Medway” -una de sus acuarelas- muestra cómo podía proyectar la luz incluso a través de los tonos más descoloridos de las pinturas de acuarela. De hecho, el sol de la mañana que se refleja en el río parece brillar en la pintura. Además, incluso las nubes, cuyos contornos no son claramente visibles, se reflejan ligeramente en la superficie del agua. Aquí los colores se prefieren claramente a los contornos claros, favoreciendo los colores sobre la forma. Esto se puede encontrar en muchas de sus obras, como en Scarborough (1825), una pieza de acuarela y grafito, en la que Turner una vez más mezcla diferentes medios para realzar sus colores y paisajes. En esta obra, mientras que los elementos «humanos» como el barco y los personajes están claramente delineados, Turner eligió desdibujar el fondo, especialmente la montaña y el cielo. Esto le da una sensación mística a la pintura, la luz tiene un doble propósito: resaltar la colina y crear el reflejo de las nubes en la orilla. Turner le dio una importancia muy peculiar a la luz, como dijo: «La luz es, por lo tanto, color» y a menudo se le llamaba el «pintor de la luz».
El cielo es representado como un sueño, una pesadilla, el cielo y el infierno mitológicos, o como una luz suave y una tormenta violenta; William Turner lo pintó en cada una de sus formas, a través de diferentes medios, óleos, grafitos y acuarelas, en pinturas de grandes paisajes y detrás de escenas cotidianas. La multiplicidad de temas de Turner sólo se suma a su completa representación de los cielos. Viajar por Europa le permitió al pintor ver las muchas caras del cielo, y los infinitos estados de ánimo que representaba. A través de él, representó al hombre, la naturaleza y la historia.
